Dalí

Dalí era considerado un excéntrico,de esas ersonas que buscan llamar la atención. No se conformaba con una realidad a simple vista, le parecía mucho más fascinante el mundo de los sueños. Esos paisajes y situaciones que tenemos en nuestra mente y que nunca hemos expresado, los objetos desfigurados de los sueños.

Donde sino podríamos ver unos elefantes con unas patas tan largas y delgadas, no es creíble, puede ser por esto por lo que nos atraigan tanto sus obras, es una completa violación de la realidad, ¿Qué nos querrá decir? es un dibujo impecable pero... ¿tendrá algun sentido? Dalí iba a lo estrambótico, todas sus obras tienen un significado, pero no se entiende a simple vista, creaba formas y figuras extrañas, inconexas, un mundo tenebroso asemejándose a su personalidad.

¿A quien no se le hace un nudo en el estómago con estas obras? en un principio seguía con la figuración, pero poco a poco la iba abandonando expniendo figuras sin sentido, normalmente de forma ovalada y colores cálidos, unicamente formas que flotaban en un espacio, pero que no eran agradables a la vista. Dalí no era humilde, no dudaba de su don y forzaba sus dibujos para generar impacto y hacerse ver, inquietaba a los demás, le gustaba ver las reacciones de las personas ante sus obras o sus hazañas. Se dió cuenta de su afán por el surrealismo poco despues de empezar su carrera como pintor, estaba destinado ya que practicamente todas sus obras son de este estilo.

Le mystere de picasso

 La película de "El misterio de Picasso" estuvo realizada por entero en el estudio del propio Picasso, y la dirección fotográfica corría a cargo de Claude Renoir.

Esta película documental nos permite apreciar el trabajo de Picasso desde una perspectiva muy cercana. Podemos observar como va pintando directamente sobre la imagen. No posee ningún efecto, así el espectador ve en su pantalla de televisión el lienzo de Picasso y como él va dibujando los trazos.

Este nuevo método cinematográfico deja ver el tipo de dibujo de Picasso, como comenzaba dibujando figuras sencillas y les iba dando color y fuerza. En varias partes del documental podemos observar como Picasso sí sabía dibujar de forma académica, había ido formando el camino artístico que quería seguir, pero tenía muy buena base como dibujante. Comienza realizando diversas líneas, que conforman un dibujo, formas alargadas, con rasgos poco marcados que recuerdan al cubismo. Después de crear la forma, empieza a hacer los contornos, le da más fuerza a la imagen, termina de definir esa forma, y ya comienza a darles color, no pinta la forma concretamente, sino que crea manchas y líneas de color, y con este color genera las perspectivas.



No sigue la línea de los pintores tradicionales, el busca nuevos caminos, quiere expresarse, tiende a marca la personalidad de cada personaje en sus rasgos, los hace desproporcionados y exagerados, consiguiendo así dar a conocer la situación de ese personaje y el papel que juega en esa obra.



Cuando comienza un lienzo, lo hace sin vacilar, sabe bien lo que quiere expresar, cuales van a ser los personajes y como los desfigurará para que representen a un rico ambicioso o a una mujer de la calle. Con esto consigue mayor simplificación y al mismo tiempo expresión, consigue lo que otros muchos pintores intentaban, que era simplificar la forma, pero seguir hablando a través de la obra, Picasso con estos dibujos tan sencillos, unido a su dominio de la perspectiva y a la fuerza que consigue que trasmitan sus figuras, hace de un dibujo sencillo una explosión de color y de significado.

Guernica

Siempre he tenido un dilema con esta obra de arte, se considera una de las mejores pinturas del arte Español, pero nunca había sido capaz de entenderla.
Dicen que es perfecta y llena de significado, que los turistas vienen únicamente a contemplarla al museo Reina Sofía, pero lo cierto es que nunca le había visto lo bonito, algo que me inspire, prefería mil veces más la pintura académica, después de todo, ¿Qué se puede comparar con un Velázquez?

 

 

 



Pues bien, después de mirarla bien, he llegado a la conclusión de que si que puede tener algo de sentido, me fijé en esa desesperación, me imaginé mentalmente a mi persona intentando dibujar una persona desesperada y llorando por la muerte de su hijo, y no, no era tan fácil como yo creía.
Empecé a analizarla, a fijarme un poco más, ¿Qué sentido tenían todas esas figuras cuadriculadas, y esas desfiguraciones?, ¿Por qué una bombilla? y así muchas preguntas cruzaron mi mente.

Al ser buena estudiante de historia, intenté recordar esa época, la guerra civil, todos los videos que me había enseñado en el colegio, de vecinos matándose entre sí y cadáveres en los arcenes. Esto ya empezaba a cobrar sentido, el toro representaba a España, pero también el caballo, es una manera de expresar de una manera original el lugar donde tiene lugar la guerra, la esencia del cuadro; personas muertas tiradas en el suelo, un hombre desesperado ardiendo en las llamas, una mujer con un candelabro que entra en la escena como rayo de esperanza...

Si nos acercamos más a esta obra, podremos también apreciar la técnica utilizada, no son simples figuras con pinceladas, en una parte del cuadro se simula el collage, y se nota la herencia del cubismo que dejó Picasso.

En fin, mi concepción de este cuadro, lo admito, había cambiado por completo. Al no ser muy amiga del cubismo aún no he conseguido apreciar su estética, lo cierto es que es un cuadro para pensar, no para deleitarse. Las personas que se dirigen a él, no lo observan cómo otro cualquiera, lo estudian, tiene un gran significado pero hay que pensarlo, y eso conlleva a que no sea un arte muy querido por todos. Algunos aseguran que refleja con demasiada crueldad los desastres de la guerra, pero en mi opinión utiliza muy bien los símbolos y consigue trasmitir esos valores de desesperación y terror.

El pintor de la luz.

Conozco a Sorolla desde pequeña, en mi casa no puede haber mejor referente a la pintura que él.

Puede que mi gusto por Sorolla se deba a la similitud de sus obras con los autores impresionistas. La luz que consiguen reflejar en sus obras me parece una maravilla, y aunque Sorolla pertenece a este movimiento sus pinturas son tardías, ya que el movimiento estaba terminando en Francia.

En los incios de su trayectoria como pintor no tuvo mucho éxito, aún no había definido bien su estilo y no conseguía encajar con los demás autores, finalmente en una exposición universal de París tiene éxito, y ahí empieza a pintar lo que le gusta, este triunfo hace que comience a viajar por Europa y exponer sus obras. Fue esta etapa el culmen de su obra, en que viaja todo lo que puede a Valencia en busca de la luz.

Llama la atención en The Hispanic society of América de Nueva York, donde, asombrados por su capacidad de captar las distintas luces, le encargan un mural donde represente las distintas provincias para captar las distintas costumbres. Fue una época muy cansada para él, y terminó con su muerte en Agosto de 1923.

El cuadro que más me inspira es de su colección de "Verano" una de sus obras de los niños jugando en la playa:

Sorolla sentía una gran pasión por Valencia, su tierra. Tanto que mientras su familia se encontraba de vacaciones él trasladaba todos sus instrumentos de pintura a la playa y se creaba su propio gabinete. Era el lugar ideal para poder captar bien la luz, a Sorolla le gustaba el brillo alegre del sol de Valencia, y lo bien que se reflejaba en los niños cuando se bañaban, conseguía captar a la perfección los reflejos de la orilla y en los vestidos blancos de los niños. Por los brillos que representa puedes deducir qué hora del día era.


En esta obra se ve como el autor pretende captar el momento, un instante fugaz en que una madre saca a su hijo del agua y unas niñas corren a su encuentro, no se trata de retratar a personajes quietos, sino que Sorolla consigue totalmente conseguir esos brillos en los vestidos de las niñas y el movimiento mientras corren, te introduce por completo en el cuadro.

Otra de las características que me gustan de Sorolla es su gusto por el aire libre, al contrario que otros muchos autores que temen pintar en el exterior al no saber reflejar bien la luz, Sorolla no solo realiza la mayoría de sus obras en el exterior, sino que su escenario preferido es la playa de Valencia. Cada parte de España tiene una luz distinta, sin embargo Sorolla capta a la perfección la típica luz del Levante, hace cuadros alegres y luminosos, con una intensa luz que caracteriza a los días de verano en la playa.

Mediterraneismo y Primitivismo

A principios del siglo XX tiene lugar en España,especialmente en Cataluña el movimiento del Noucentismo, impulsado por Eugenio D'ors.

Los artistas catalanes reciben influencias de Paris y del resto de Europa, wue les impulsan al modernismo; sin embargo D'ors propone una idea innovadora, deben modernizarse pero volviéndo a lo clásico. Este nuevo camino hacia la modernidad permitirá a los artistas volver a los inicios y volverse a preocupar por el lenguaje y la naturaleza real de las cosas.


Se instauran dos caminos para volver al clasicismo: el mediterraneismo y el primitivismo.

Como ejemplo de los dos movimientos, e seleccionado dos autores, Maillol con esculturas del mediterraneismo y Manolo Hugué con obras del primitivismo.

Maillol

Autor de principios del siglo XX apuesta por el mediterraneismo para innovar.  Su obra mas famosa es " El mediterráneo"

Estas obras carecen de simbolismo, representan escenas pacíficas, no expresan nada, son equilibradas, y lo que más les caracteriza es la plenitud de la forma y los rasgos redondos que siempre tienen las modelos.

Las tres gracias

Otras obras que representan un claro mediterraneismo son:

La nuit

Hugué

Poe el contrario, este artista aún siendo de la misma época que Maillol opta por el primitivismo para alcanzar así las formas puras, empezar desde el principio para aprender a modernizar.

Su obra más representativa es "La llobera"

 Este arte se inspira en los egipcios, en la rigidez de las formas. Se inspira en lo primitivo, esculturas egipcias, brazos pegados al cuerpo.

Otra obra representativa:

La bacante

La España negra

Es increíble como el arte guarda una gran relación con su periodo histórico, no podemos comprender un movimiento artístico sin prestar atención a lo que estaba ocurriendo paralelamente en el país, por otra parte, la historia se ve complementada con sus distintos elementos artísticos característicos de cada época.
Centrándonos en la historia de España, el siglo XX y finales del XIX constituyó una etapa de desmoralización y depresión para el pueblo español.
Tras sangrientas batallas, EEUU consiguió terminar con nuestro imperio, aquel al que nunca se ponía el sol, y con eso se destruyó el sentimiento patriótico que había acompañado a nuestro país desde nuestros primeros triunfos y conquistas.
Se género un sentimiento anti militarista y de deseos de regeneración, nos considerábamos atrasados, nuestra cultura había constituido un lastre que no nos había permitido progresar y este era el precio que debíamos pagar.
Aquí es donde entra en juego la pintura de la España negra, representaciones de escenas típicas de España, con un toque pesimista, contraponiendo modernidad y tradición. Incluían elementos característicos de nuestra cultura, fiestas típicas o religión, con otros elementos modernos, como pueden ser los transportes, y creaban un juicio de sí la tradición nos impide progresar adecuadamente acorde con el resto de países.
Un claro ejemplo de este movimiento es Rusiñol, con obras como " Viernes Santo en Castilla " .
En ella representa una procesion católica, compuesta por personas con capuchones negros en un paisaje castizo pasando por debajo de un puente, dicho puente constituye las vías de un tren que pasa en ese momento.
Con esto Rusiñol, nos invita a analizar si la cultura forjada a lo largo de los años puede estar siendo un impedimento para progresar, en un lado la religión, muy arraigada en nuestra historia, y por otro lado el símbolo de la modernidad, el tren.
Ortega y Gasset, filósofo español, defendía que el problema residía en la educación, y que el problema de nuestro atraso, es que España no quiere abrirse, nos sentimos muy cómodos con nuestras tradiciones y cultura y no queremos destacar. Este pensamiento desemboca en el regeneracionismo.